sábado, 8 de diciembre de 2018

Ídolos Virtuales el nuevo arte


Hatsune Miku es una cantante virtual, la vocaloid más famosa

Diciembre de 2018, París, miles de jóvenes de entre 10 y 20 años corean el nombre de Hatsune Miku. “Buenas noches París. Me siento muy feliz de estar por fin con vosotros" dice la estrella del J’Pop (como se conoce a la música pop japonesa) al salir al escenario. América y Asia ya se han rendido a sus pies, ahora es el turno de Europa.
Noviembre de 2018, sala Pleyel de París, un público con ausencia de jóvenes, una orquesta de 55 músicos en directo, un violín que empieza a afinar y María Callas sale al escenario. Sí, no habéis leído mal, María Callas murió a los 53 años, el 16 de septiembre de 1977, sus restos descansan en el cementerio Père Lechese de París. Pero Maria Callas está embarcada en una nueva gira mundial.

Giras de hologramas

¿Qué tienen en común estas dos escenas, además de desarrollarse en París? En ambos casos sus protagonistas son hologramas.
Los tiempos cambian, la ciencia avanza y permite cosas prodigiosas que muchos aplauden y otros rechazan porque dan miedo. Pero no tiene sentido resistirse, el fenómenos es imparable y el lema del mundo delarte sigue siendo el mismo “el espectáculo debe continuar”.
MiKu Hatsune es la vocaloid (término que surge de la fusión de vocal y android) más famosa del mundo, nació en el 2007, tiene la perpetua edad de 16 años y una imagen aniñada que causa furor (cientos de japoneses se han casado con ella virtualmente). En realidad, vocaloid es un software sintetizador de voz desarrollado por Crypton Future Media que tiene la particularidad de ser un software libre, lo que quiere decir que cualquiera puede componer canciones para Miku Hatsune o cualquiera de los otros paquetes de voz, incluso sin tener conocimientos musicales.
Miku Hatsune tiene más de 2,5 millones de seguidores en sus redes sociales, sus vídeos de youtube han sido vistos más de 64 millones de veces, en el 2004 fue telonera de Lady Gaga, en España cantó en catalán el himno del F.C. Barcelona. El personaje, que se ha convertido en el primer gran ídolo virtual a nivel mundial, ha sido diseñado por el artista de manga Kei Garō, con una estatura de 1.58 cm y un peso de 42 kg.​ Tiene un pelo largo color turquesa, casi siempre recogido en dos largas coletas y  sus ojos son del mismo color. Para crear su voz se ha tomado prestada la de la actriz japonesa de doblaje  Saki Fujita. Su nombre, Miku Hatsune, puede traducirse en castellano como  El primer sonido del futuro”.
La mítica diva María Callas ha vuelto a los escenarios en forma d eholograma

El pasado es la voz de Maria Callas, su voz se considerada de una enorme perfección técnica, pero gracias a la tecnología es también presente. Para lograr volver a verla en el escenario se han tenido que utilizar las grabaciones que se hicieron en la época, separando la voz de la artista de los demás sonidos. Para crear el holograma se ha trabajado con una doble que tuvo que mimetizarse con la Callas para hacer idénticos sus movimientos y se tomó el rostro real de María Callas.

En el futuro habrá más giras de hologramas

Se dice que el año que viene veremos de nuevo de gira a Amy Winehouse. Revivir a los muertos, crear seres de la nada, el mundo avanza, el mundo cambia pero los objetivos son los mismos tener ídolos a quienes admirar y la eterna búsqueda de la inmortalidad.

domingo, 2 de diciembre de 2018

El arcabuz un arma que cambió la historia


El arcabuz es una arma de fuego que surgió en el s.XVI


El arcabuz fue el arma más utilizada por la infantería europea durante los siglos XVI y XVII. No está claro si los primeros modelos son españoles o alemanes. Se trata de un arma letal siempre y cuando el disparo se efectúe a corta distancia, unos 50 metros, ya que podía llegar a perforar las armaduras, por eso fue desplazando a las ballestas con rapidez.
Es muy parecido al mosquete, este último en principio era mucho más pesado, de hecho fueron evolucionando a la par en el tiempo hasta que en el s. XVIII el mosquete se impuso y el arcabuz desapareció.
El arcabuz consta de un cañón de hierro que puede llegar a medir un metro y con un calibre que oscila entre los 15 y los 20 milímetros, va montado sobre un trozo de madera de cerezo o de nogal de un metro y medio más o menos. La culata por lo general era recta. El arcabuz podía llegar a pesar entre 4 y 5 kilos.
Las características del arcabuz le convertían en un arma dañina pero peligrosa para el arcabucero


Cómo se cargaba el arcabuz

Cargar un arcabuz era un proceso lento, muy diferente a lo que estamos acostumbrados a ver de las armas actuales, el proceso bien podía durar tres o cuatro minutos por disparo. El arcabucero debía portar encima otros utensilios. De un cinturón que le atravesaba el pecho llevaba colgados los llamados Doce Apóstoles, se trata de unos pequeños frasquitos en los que llevaba guardada la carga de pólvora justa para un disparo. Además, llevaba una mecha,  que era un trozo de cuerda de lino o cáñamo bañada en agua y salitre, al que se prendía fuego y hacía posible la ignición. Llevaba dos polvoreras y también un morral que era el bolsillo donde guardaba los proyectiles, que no eran otra cosa que bolas metálicas.

A la hora de cargar el arcabuz, el arcabucero debía de seguir unos determinados pasos:
-          Colocaba el arma en posición vertical e introducía en el cañón la pólvora de uno de los apóstoles.
-          Después introducía el proyectil, y con él, un trozo de tela o estopa que servía para que durante el proceso de ignición los gases no se escapasen.
-          Seguía utilizando la baqueta, que es una vara larga de madera que se enganchaba en la parte trasera del arcabuz y la introducía varias veces por el cañón, apretando así la carga en la recamara y dando presión a todo el contenido para conseguir que el disparo alcanzase más longitud.
-          Con la carga preparada, el arcabucero ponía el arma en horizontal apuntando a su objetivo, entonces introducía un poco de pólvora de mejor calidad en la cazoleta, una pieza que conecta con el interior del cañón y la cerraba para que no se produjera un disparo accidental.
-          Ahora entraba en juego la mecha, que debía de estar siempre encendida, lo que en ocasiones era complicado en función de la meteorología. Como previsión las mechas se mantenían encendidas por los dos extremos por si uno se apagaba. El arcabucero tenía que soplar muy a menudo la mecha para avivar el fuego.
-          Una vez colocado en su lugar en primera línea apuntaba al enemigo, abría la cazoleta y disparaba, la mecha entraba en contacto con la pólvora de la cazoleta, lo que producía una explosión que hacía salir disparado al proyectil.
-          El arcabucero se retiraba con rapidez e inicia de nuevo el proceso de carga.
Entre las desventajas del empleo del arcabuz no está solo el lento proceso de carga sino también su poca precisión, había que estar muy cerca del enemigo para acertar.
Los autores pintaban las armas de guerra como los arcabuces

El Renacimiento trajo un cambio del concepto de guerra

Hernán Cortés llevó consigo 13 arcabuceros en 1519. Pero fue en los Tercios donde tuvieron una importancia principal, un tercio de los soldados debía llevar arcabuz o mosquete. Los arcabuceros debían costearse sus propias balas y la pólvora.
El Renacimiento supuso un cambio fundamental en el proceso de la guerra, el descubrimiento de las armas portátiles y el empleo de los cañones fue favorecido por el avance científico y esto cambió la manera de batallar. Surgieron tratados de guerra que así lo explican. Y la nobleza, que durante la Edad Media había sido la clase guerrera tuvo que adaptar su función en la sociedad. El arcabuz era considerado en la época como un invento del diablo.
Los arcabuceros debían de llevar encima múltiples útiles para poder cargar el arcabuz


Fuentes:

http://ejercitodeflandes.blogspot.com/2009/11/arcabuz.html

viernes, 23 de noviembre de 2018

Leda y el Cisne: el fresco de Pompeya




Massimo Osanna es el director del Parque Arqueológico de Pompeya, el segundo lugar más visitado de Italia tras el Coliseo, en sus redes sociales va mostrando los descubrimientos que se van realizando en el yacimiento. Esta semana han hecho el anuncio del hallazgo de un fresco excepcional que representa el mito de Leda y el Cisne.
Un fresco que representa la escena de Leda y el Cisne acaba de ser descubierto en Pompeya
Fresco en una Domus de Pompeya sobre Leda y el Cisne
El fresco fue hallado en un cubiculum (habitación) de una domus (casa) que debió de pertenecer a un comerciante rico asentado en la Calle Vesubio de la Región V de Pompeya. Todas las estancias analizadas hasta el momento en la casa están elegantemente decoradas. El año pasado en el vestíbulo se encontró un fresco del dios menos Príapo, hijo de Dionisio y Afrodita, se considera un Dios de la fertilidad.
Varias son las cosas que han sorprendido esta vez a los arqueólogos, en primer lugar, el buen estado de conservación del fresco y la intensidad de su colorido, pero también la manera de abordar el tema. La escena refleja un erotismo del que carecen otras representaciones con la misma temática; la mujer, en posición sedente, mira sugerentemente al espectador a los ojos, está cubierta con un paño dorado transparente con el cisne colocado en su regazo.
La versión del mito de Leda y el Cisne pintada por Correggio
Leda y el Cisne por Correggio

Leda y el Cisne: el mito

La mitología griega tiene varias versiones, pero la más aceptada, extraída de Las Metamorfosis de Ovidio, cuenta que Leda era una mujer tan hermosa que el propio Zeus la deseaba. Leda era la esposa de Tindareo, rey de Laconia. Un día paseaba siguiendo el curso del río Eurotas, cuando vio como un bello cisne salía del agua huyendo de un águila. Leda protegió al cisne, que no era otro que Zeus transformado, y este aprovechó para seducirla.
Esa noche Leda yació con su esposo, por eso al tiempo dio a luz a dos huevos, de uno nacen Pólux y Helena, hijos de Zeus inmortales; del otro, Cástor y Clitemnestra, hijos mortales de Tindáreo.
Tintoretto pintó su versión de Leda y el Cisne dándole un aire de sensualidad
Leda y el Cisne de Tintoretto

Las representaciones de Leda y el Cisne

El tema, como podemos ver en el fresco de Pompeya, fue ampliamente representado en época romana, no deja de ser una alegoría sobre la pasión. Entre 1510 o 1515, Leonardo DaVinci debió de pintar una obra basada en el mito, pero desafortunadamente hoy en día está desaparecida, aunque se conservan muchos de los dibujos preparatorios en las libretas del artista. También, está desaparecida la representación que sobre este argumento hizo Miguel Ángel.
Sí contamos en cambio con las versiones de Tintoretto (hizo varias). La de Correggio, que la pintó para el duque Federico Gonzaga y consigue narrar varias escenas del suceso en el mismo cuadro. La de Rubens, que se basaba en la de Miguel Ángel y refleja una carnalidad muy propia del maestro del barroco. Es de resaltar el hecho de que Zeus, al estar transformado en cisne, posibilitaba a los pintores la representación de una sexualidad prohibida si se tratase de dos personas.
Cezanne pintó también una versión moderna del mito de Leda y el Cisne
Leda y el Cisne de Cezanne

El tema ha llegado a épocas actuales, ha sido también representado entre otros  por Cezanne, Cy Twombly y Salvador Dalí.
La historia de Leda y el Cisne también ha inspirado composiciones musicales y poemas como los de Yeats y Rubén Darío
 
A través de enérgicos trazos Cy Twombly representa a Leda y el Cisne
Leda de Cy Twombly
El surrealista Dalí representó a Gala siguiendo el mito de Leda y el Cisne
Leda Atómica de Dalí


Fuentes:


jueves, 22 de noviembre de 2018

El cubismo: exposición del Centro Pompidou


Exposición El Cubismo en el Centro Pompidou de París

Del 17 de octubre de 2018 al 25 de febrero de 2019, el Centro Pompidou en  proyecto conjunto con el Kunstmuseum de Basilea propone una de las exposiciones más completas de uno de los movimientos que fundaron el arte moderno, el cubismo en París entre los años 1907 y 1917. Se trata de la primera exposición íntegramente dedicada al cubismo desde 1953, que tiene la peculiaridad de no centrarse únicamente en la obra de los fundadores de esta corriente, Braque y Picasso, sino que incluye la obra de Derain, Laurens, Delaunay, Léger, Picabia o Duchamp.
La exposición cuenta con más de 300 obras articuladas de manera cronológica en 14  etapas. Está comisariada por Brigitte Leal, Christian Briend y Ariane Coulondre. Buscan ofrecer una nueva mirada sobre el cubismo  a través de las últimas investigaciones. Intentan resaltar como el cubismo trató de volver a las fuentes primitivas y  la fascinación que ejercían sobre sus autores las obras de Gaugin y Cézanne.
El cubismo supuso una transgresión a la concepción clásica de la representación, creando un arte basado en  las formas geométricas y con ello impulsó el surgimiento de los movimientos modernos del arte. La exposición es una oportunidad única para ver obras de la transcendencia del Retrato de Gertrude Stein (1906) o el Retrato de Aborise Vollard (1909) de Picasso, amén de otros referentes tanto en pintura como en escultura. Y cuenta además con documentos explicativos.
Una de las características del cubismo fue la de introducir la vida moderna en el arte a través de la tipografía, la inclusión de los periódicos y las nuevas formas de vida en sus cuadros, incluyendo la música como un signo de comunicación entre las diferentes artes.

miércoles, 21 de noviembre de 2018

Museo del Prado 1819-2019. Un lugar en la Memoria

El próximo año se celebra el 200 aniversario de la inauguración del Museo del Prado y se hace con una exposición especial que podrá visitarse hasta el próximo 10 de marzo de 2019 en las salas A y B. La exposición titulada "Museo del Prado 1819-2019. Un lugar en la Memoria" es un repaso a la historia del museo e inevitablemente también a la historia de España. Se divide en 8 secciones, cada una con una imagen principal y otras que la toman como referente y os la resumimos en la siguiente infografía.
Infografía sobre la exposición Museo del Prado 1819-2019. Un lugar en la memoria
Infografía: Museo del Prado 1819-2019

sábado, 10 de noviembre de 2018

Las grandes gamberradas de la historia del arte


Estamos acostumbrados a tomarnos el arte y sus manifestaciones como una cosa muy seria, algo para entendidos, pero muchas veces los artistas también se ríen de sí mismos, del pensamiento elitista  y a veces también de nosotros. Veamos algunos ejemplos:

1.- Los robos de Picasso


Está claro que Picasso era un genio transgresor y a veces muy radical. En el año 1911, fue junto con Apollinaire detenido para investigar si tenía algo que ver con el robo de la Gioconda. No fue casual su detención, solo 4 años antes su amigo Joseph Géry Pieret había robado unas estatuillas de origen ibérico, aprovechando las pocas medidas de seguridad que por entonces tenía el Louvre.
Picasso, que sabía perfectamente su origen,  compró las estatuillas y le fueron muy útiles pues le ayudaron a componer las Señoritas de Avignon, pero al enterarse del robo de la Gioconda quisieron deshacerse de ellas. Apollinaire intentó venderlas y la policía los pilló.

2.- El famoso urinario de Duchamp

En 1917, Marcel Duchamp puso a los miembros de la “Sociedad de artistas independientes de Nueva York” en un brete, al presentar bajo el seudónimo R. Mutt la obra “Fountain”. En realidad se trataba simple y llanamente de un mingitorio. Imaginaros a los sesudos señores dirimiendo ante un urinario temas como ¿qué es el arte y qué es la vanguardia? Al final rechazaron la obra, pero todos sabemos que ha pasado a formar parte de la historia del arte

3.- Los interruptores del MOMA

Harvey Stromberg ha pasado a la historia por ser un bromista nato. En los años 70 realizó lo que llamó "esculturas fotográficas”. Se trataba de una serie de más de 300 fotografías adhesivas realizadas a tamaño real. Representaban interruptores de luz, manijas de puertas que dispuso de manera ordenada por el MOMA de Nueva York. Algún responsable se volvería loco a la hora de encender la luz de las salas.

4.- ¿Conocéis al artista Nat Tate?

¿No?, normal no existe. Pero en 1988, David Bowie y John Richardson se rieron de lo lindo de muchos críticos en la presentación del libro “Nat Tate: un artista americano, 1928-1960”. A pesar de que ellos mismos se lo habían inventado muchos críticos afirmaron que habían oído hablar de él…

5.- Y por fin llegamos a Bansky

El pasado 5 de octubre, casi todos fuimos testigos, por las imágenes de los telediarios, de como su obra “Girl with  baloon” fue vendida en una subasta de Sothesby´s por la nada desdeñable cifra de 1,4 millones de dólares. Para acto seguido ver como se autodestruía con una trituradora que el artista había programado en el marco. Al asombro de los allí presentes sucedió un aumento considerable del valor de la obra.
Y es que las gamberradas de los artistas al parecer pueden mejorar el concepto que tenemos sobre su arte.




sábado, 3 de noviembre de 2018

Arthur Berzinhs "el gamberro refinado"



La tecnología ha transformado nuestra vida y la forma en la que nos comunicamos. Os pongo un ejemplo que nos llevará a descubrir a un nuevo artista. Hace poco mi cuñada me mandó una tanda de chistes vía Whatsapp entre los que iba esta imagen.
¿Os ha pasado lo mismo que a mí, habéis tenido que mirar dos veces? Pues una amiga con clara vocación artística fue aún más lejos, “esto es parte de un cuadro” dijo y ahí comenzó la investigación que me llevó a conocer a un polémico y famoso artista moderno.

Arthur Berzinhs

Arthur Berzinhs nació en 20 de abril de 1983 en Riga, Letonia. Una enfermedad congénita del corazón hizo a los médicos pensar que no viviría más allá de los 12 años, pero una operación y muchas ganas de vivir les llevaron la contraria y su enfermedad le ayudó a encontrar una forma alternativa de expresión. En el año 2012, obtuvo la maestría del Departamento de Comunicación Visual de la Academia de Artes de Letonia.
A lo largo de más de 10 años, ha participado en más de 50 exposiciones.  Berzinhs es un artista multidisciplinar que trabaja la pintura al óleo, la fotografía digital, el cine y la música y ha sido calificado como un “gamberro refinado”. Su aspecto gótico, de palidez extrema enmarcada por una melena negra y grandes ojos oscuros se ajusta a la perfección a su imaginería. Y es que busca despertar emociones encontradas en el espectador que lo coloquen en una posición incómoda.
Lo hace a través de imágenes oníricas, con tintes eróticos y voluptuosos, intensificadas con metáforas decorativas. Él mismo lo explica así “trabajo con elementos conceptuales/estéticos disonantes que intentan lanzar las emociones ambivalentes del espectador…Las películas, la música, la literatura son formatos que permiten acompañar al espectador desde el principio al final. Una imagen no puede llevar al destinatario a ninguna parte, es inmóvil. Por eso trato de encontrar otras formas de manipular al espectador con el aspecto emocional de estos códigos ambivalentes. Siesta es un brillante ejemplo de este enfoque: la estética clásica de la belleza melancólicamente romántica va de la mano de un poco de humor, co-creando una percepción diferente”.
Y es que sus cuadros inevitablemente nos recuerdan a la imaginería del simbolismo, del postmodernismo, con sombras románticas y góticas y toques de art nouveau. Influenciado por la luz de los viejos maestros, sus cuadros exploran las relaciones entre hombres y mujeres, pero también otros muchos temas que nos golpean de forma visceral y a la vez despiertan nuestra espiritualidad.
Cada cuadro le lleva como mínimo dos semanas de intenso trabajo sin apenas dormir, las imágenes digitales semana y media. Entiende que ha logrado superar el conflicto que a principios del s. XIX enfrentó a la pintura con la fotografía, creando un arte más completo.

Polémicas performances

Sus performances son desgarradoras y también radicales. El 6 de marzo de 2018 fue acusado de promover el canibalismo tras la transmisión en Facebook live de la pieza “Escatología” en la que una mujer vestida con un traje blanco de aislamiento cortaba con un bisturí una pequeña porción de la carne de la espalda de una mujer y de un hombre y luego la cocinaba en una sartén para dársela a comer.
Berzinhs asegura que no es más caníbal eso que comerse las uñas, que se trataba de realizar un gesto artístico y conceptual,  una metáfora de la sociedad de consumo que se consume a sí misma matando su espíritu, sin el cual no puede vivir mucho tiempo.
Berzinhs cita a Kafka cuando le preguntan por el artista provocador diciendo que “el arte debe ser el hacha del mar helado dentro de nosotros” sin embargo, no está a favor de la provocación simple, si no de la refinada y significativa.
Varios grupos de Rock duro han apostado por sus ideas para sus portadas, como sus admirados Cradle of Fihh.
Arthur Berzinhs es un artista extraño pero una vez que hemos visto sus imágenes quedamos de algún modo golpeados y no podemos volver a olvidarlo.

Fuentes:

http://www.berzinsh.lv/
http://www.berzinsh.lv/en/press

martes, 30 de octubre de 2018

La última comunión de san José de Calasanz en el Prado

Ayer fue un día especial para el Museo del Prado pues durante un año (prorrogable a otro) acogerá la pintura de Goya: La última comunión de san José de Calasanz.
Un cuadro encargado a Goya en 1819, cuando ya tenía 75 años, por el que se le pagó aunque luego él devolvió el dinero.
Coincide con la celebración del 200 aniversario de la apertura del Museo del Prado, también en 1819. Es uno de los cuadros que mejor expresan el mundo de la fe y de la mística por parte del pintor



lunes, 29 de octubre de 2018

Un cuadro que encierra una trágica historia: La Honorable Señora Graham



Todos las pinturas encierran en su interior varias historias que siempre van más allá de la imagen representada. La que contaremos hoy es una trágica y hermosa historia de amor. Su protagonista es la mujer del retrato “La honorable señora Grahan” pintado por el inglés Thomas Gainsborough (1727 – 1788)  entre los años 1775 y 1777.

Mary Cathcart era la tercera de los seis hijos de Charles Schaw Cahtcart, noveno barón de Cathtcart (una de las familias más prestigiosas de Escocia),  y de su esposa Lady Cahtcart que, cuando comienza nuestra historia, ha muerto de tuberculosis en la corte de la emperatriz rusa Catalina II la Grande, donde el barón estaba de embajador.
Poco tiempo después la familia, siempre muy unida, regresa a Inglaterra. Mary tendría unos 16 años, y no solo era hermosa si no que tenía encanto y triunfaba en sociedad por su  “bondad, buen sentido y dulzura". Thomas Graham, terrateniente de Perthshire,   se enamoró perdidamente de ella. Era un hombre bien parecido, apuesto, robusto y atlético  que tuvo la suerte de ser correspondido. En 1774 se casaron y formaron una envidiada pareja.


Encargo del retrato

Thomas encargó a Gainsborough, uno de los mejores pintores de Londres del momento, el retrato de Mary recién casada, exhibido en la Real Academia en el año 1777 fue muy aclamado por el público.
Thomas Graham  tenía talento para dedicarse a la política o a los negocios, pero decidió renunciar a todo para pasar todo el tiempo posible con su esposa, compraron la Casa Lynedoch cerca de Methven en Perthshire en 1787 y se disponían a vivir felices una plácida existencia junto a la hermana pequeña de Mary, a la que, en ausencia de hijos propios,mimaban como a una hija.
Pero el destino había marcado a la familia Cahtcart con la maldición de la tuberculosis, el padre de Mary fallecía en 1776, le siguieron su hermano Charles y su hermana Jane. La tristeza y el dolor hicieron mella en la salud de Mary que calló enferma también. Thomas la convenció para viajar al sur, a Portugal y a Niza, buscando un clima propicio que la ayudara a recuperarse. Pero la enfermedad también pudo con ella y se la llevó con tan solo 35 años, en 1792.
Thomas se vio obligado a repatriar el cadáver de su esposa atravesando una Francia en la que había estallado la revolución. Por el camino una turba de exaltados desoyó los ruegos de Thomas pensando que escondía joyas o algo valioso y asaltaron el ataúd que portaba el cadáver de su esposa, algo que el apenado esposo no podría olvidar  jamás.

Una nueva vida

Una vez en su casa, todos los recuerdos se le hacían tan dolorosos que empaquetó los cuadros, especialmente el retrato de Gainsborough y otros objetos y los hizo guardar en un almacén. Como tampoco se sentía ya a gusto en su hogar decidió dar un vuelco a su vida y se alistó en el ejército.
Thomas Graham llegó a ser un reconocido oficial que destacó en las Guerras Revolucionarias Francesas y en la Guerra de la Independencia Española. Estuvo en activo en el ejército hasta los 66 años y luego se dedicó a la política. Vivió una vida de aventuras, acción y caballería. A pesar de que mantuvo una activa vida social, nunca hablaba de Mary, pero tampoco consiguió olvidarla nunca hasta el punto que renunció a volverse a casar y a tener un heredero.
Thomas vivió hasta los 95 años, manteniendo la lucidez y una vida activa, la muerte le encontró apretando su alianza de casado en la mano. Legó su fortuna a su primo Thomas Graham al que al poco tiempo le llegó una carta en la que se le preguntaba qué quería hacer con los objetos que su familiar tenía en depósito. El retrato de Mary volvió entonces a ver la luz y fue donado a la National Gallery en Escocia con la condición de que "nunca abandonará Edimburgo".


Fuentes:

https://www.nationalgalleries.org/art-and-artists/4934/honourable-mrs-graham-1757-1792
https://es.wahooart.com/@@/8XZ2TZ-Thomas-Gainsborough-El-Hon.-La-se%C3%B1ora-Graham
https://en.wikipedia.org/wiki/Kitty_(1945_film)
https://www.descargacineclasico.net/la-bribona-kitty-1945/
Tras las obras maestras. La Novela del Arte. Harvey Rachlin

jueves, 18 de octubre de 2018

La Venus de Willendorf




Un ejemplo de cómo el pasado conecta con el presente y nos permite avanzar hacia el futuro, es el hecho de que en 1908, en Austria, en la zona que va de Krems hacia Grem se estaba construyendo el ferrocarril. Esto trajo como consecuencia el descubrimiento de varios enclaves arqueológicos de época paleolítica conservados en depósitos de loess.
El más destacado se sitúa en una ladera al aire libre, cerca de una pequeña localidad austriaca llamada Willendorf, que está situada en el margen izquierdo del Danubio (a unos 80 km. de Viena). Los arqueólogos Josef Szombathy, Hugo Obermaier y Josef Bayer fueron los encargados de las excavaciones de este yacimiento. Se trata de un conjunto de siete ocupaciones del Paleolítico Superior.








Descubrimiento de la Venus de Willendorf


El 7 de agosto de 1908, en el asentamiento II,  se descubrió la que se convertiría en una de las figuras más famosas del arte paleolítico que recibió el nombre de Venus de Willendorf. Se trata de una representación femenina que se enmarca dentro de las aproximadamente 130 estatuillas paleolíticas que han sido encontradas entre Europa y Asia.
La Venus de Willendorf, que actualmente puede verse en el Museo Natural de Viena, está datada hacia unos 25.000 años a.C., lo que la sitúa en el periodo gravetiense. Se trata de una talla exenta realizada en piedra caliza con unas dimensiones de 11 centímetros de alto por 5,5 cm. de ancho. Su pequeño tamaño indica que está realizada para ser trasladada con la persona, hecho que concuerda con nuestro conocimiento de que las sociedades paleolíticas eran nómadas. Aún conserva restos del tono ocre con el que fue pintada.
Destaca, como en todas las demás estatuillas encontradas, el hecho de resaltar especialmente los atributos femeninos asociados a la sexualidad, los que dan la vida. La figura no tiene pies y las rodillas están muy juntas. Sus brazos son muy delgados y también carece de rasgos faciales, sustituidos por unos dibujos simétricos que algunos autores identifican con un sombrero de caña.

Significado de la Venus de Willendorf


En realidad, salvo estos datos concretos carecemos de cualquier certeza sobre el significado de esta pequeña escultura. Aunque simplemente el hecho de llamarla Venus, al igual que la diosa del amor romana, ya induce a una consideración como diosa de la fertilidad. Y son muchos los que, como la escultora e historiadora del arte, Merlin Stone, apuestan por pensar que las sociedades paleolíticas eran matriarcales.
Otra brillante y documentada teoría es la de Leroy McDermontt, que mantiene que las Venus paleolíticas son el testimonio de la autopercepción que las mujeres de aquella época tenían de su cuerpo, y para demostrarlo aporta fotografías que mujeres actuales en estado de gestación hacen de su propio cuerpo, esta perspectiva explica las deformaciones que se encuentran en las esculturas.

Influencias actuales


Sea como sea esta pequeña estatua sigue inspirándonos en la actualidad y la vemos aparecer desde en sagas literarias como Los hijos de la Tierra de Jean Marie Auel, el libro Los Devoradores de cadáveres de Michael Crichton hasta en películas como Helboy II:El Ejército Dorado de Guillermo del Toro, Las brujas de Zugarramurdi de Álex de la Iglesia o incluso series como The young Pope de Paolo Sorrentino.
La de la Venus de Willendorf es sin duda una imagen que puede reivindicar como símbolo el movimiento #metoo.




Fuentes:

https://www.khanacademy.org/humanities/prehistoric-art/paleolithic-art/v/nude-woman-venus-of-willendorf-c-28-000-25-000-b-c-e