viernes, 23 de noviembre de 2018

Leda y el Cisne: el fresco de Pompeya




Massimo Osanna es el director del Parque Arqueológico de Pompeya, el segundo lugar más visitado de Italia tras el Coliseo, en sus redes sociales va mostrando los descubrimientos que se van realizando en el yacimiento. Esta semana han hecho el anuncio del hallazgo de un fresco excepcional que representa el mito de Leda y el Cisne.
Un fresco que representa la escena de Leda y el Cisne acaba de ser descubierto en Pompeya
Fresco en una Domus de Pompeya sobre Leda y el Cisne
El fresco fue hallado en un cubiculum (habitación) de una domus (casa) que debió de pertenecer a un comerciante rico asentado en la Calle Vesubio de la Región V de Pompeya. Todas las estancias analizadas hasta el momento en la casa están elegantemente decoradas. El año pasado en el vestíbulo se encontró un fresco del dios menos Príapo, hijo de Dionisio y Afrodita, se considera un Dios de la fertilidad.
Varias son las cosas que han sorprendido esta vez a los arqueólogos, en primer lugar, el buen estado de conservación del fresco y la intensidad de su colorido, pero también la manera de abordar el tema. La escena refleja un erotismo del que carecen otras representaciones con la misma temática; la mujer, en posición sedente, mira sugerentemente al espectador a los ojos, está cubierta con un paño dorado transparente con el cisne colocado en su regazo.
La versión del mito de Leda y el Cisne pintada por Correggio
Leda y el Cisne por Correggio

Leda y el Cisne: el mito

La mitología griega tiene varias versiones, pero la más aceptada, extraída de Las Metamorfosis de Ovidio, cuenta que Leda era una mujer tan hermosa que el propio Zeus la deseaba. Leda era la esposa de Tindareo, rey de Laconia. Un día paseaba siguiendo el curso del río Eurotas, cuando vio como un bello cisne salía del agua huyendo de un águila. Leda protegió al cisne, que no era otro que Zeus transformado, y este aprovechó para seducirla.
Esa noche Leda yació con su esposo, por eso al tiempo dio a luz a dos huevos, de uno nacen Pólux y Helena, hijos de Zeus inmortales; del otro, Cástor y Clitemnestra, hijos mortales de Tindáreo.
Tintoretto pintó su versión de Leda y el Cisne dándole un aire de sensualidad
Leda y el Cisne de Tintoretto

Las representaciones de Leda y el Cisne

El tema, como podemos ver en el fresco de Pompeya, fue ampliamente representado en época romana, no deja de ser una alegoría sobre la pasión. Entre 1510 o 1515, Leonardo DaVinci debió de pintar una obra basada en el mito, pero desafortunadamente hoy en día está desaparecida, aunque se conservan muchos de los dibujos preparatorios en las libretas del artista. También, está desaparecida la representación que sobre este argumento hizo Miguel Ángel.
Sí contamos en cambio con las versiones de Tintoretto (hizo varias). La de Correggio, que la pintó para el duque Federico Gonzaga y consigue narrar varias escenas del suceso en el mismo cuadro. La de Rubens, que se basaba en la de Miguel Ángel y refleja una carnalidad muy propia del maestro del barroco. Es de resaltar el hecho de que Zeus, al estar transformado en cisne, posibilitaba a los pintores la representación de una sexualidad prohibida si se tratase de dos personas.
Cezanne pintó también una versión moderna del mito de Leda y el Cisne
Leda y el Cisne de Cezanne

El tema ha llegado a épocas actuales, ha sido también representado entre otros  por Cezanne, Cy Twombly y Salvador Dalí.
La historia de Leda y el Cisne también ha inspirado composiciones musicales y poemas como los de Yeats y Rubén Darío
 
A través de enérgicos trazos Cy Twombly representa a Leda y el Cisne
Leda de Cy Twombly
El surrealista Dalí representó a Gala siguiendo el mito de Leda y el Cisne
Leda Atómica de Dalí


Fuentes:


jueves, 22 de noviembre de 2018

El cubismo: exposición del Centro Pompidou


Exposición El Cubismo en el Centro Pompidou de París

Del 17 de octubre de 2018 al 25 de febrero de 2019, el Centro Pompidou en  proyecto conjunto con el Kunstmuseum de Basilea propone una de las exposiciones más completas de uno de los movimientos que fundaron el arte moderno, el cubismo en París entre los años 1907 y 1917. Se trata de la primera exposición íntegramente dedicada al cubismo desde 1953, que tiene la peculiaridad de no centrarse únicamente en la obra de los fundadores de esta corriente, Braque y Picasso, sino que incluye la obra de Derain, Laurens, Delaunay, Léger, Picabia o Duchamp.
La exposición cuenta con más de 300 obras articuladas de manera cronológica en 14  etapas. Está comisariada por Brigitte Leal, Christian Briend y Ariane Coulondre. Buscan ofrecer una nueva mirada sobre el cubismo  a través de las últimas investigaciones. Intentan resaltar como el cubismo trató de volver a las fuentes primitivas y  la fascinación que ejercían sobre sus autores las obras de Gaugin y Cézanne.
El cubismo supuso una transgresión a la concepción clásica de la representación, creando un arte basado en  las formas geométricas y con ello impulsó el surgimiento de los movimientos modernos del arte. La exposición es una oportunidad única para ver obras de la transcendencia del Retrato de Gertrude Stein (1906) o el Retrato de Aborise Vollard (1909) de Picasso, amén de otros referentes tanto en pintura como en escultura. Y cuenta además con documentos explicativos.
Una de las características del cubismo fue la de introducir la vida moderna en el arte a través de la tipografía, la inclusión de los periódicos y las nuevas formas de vida en sus cuadros, incluyendo la música como un signo de comunicación entre las diferentes artes.

miércoles, 21 de noviembre de 2018

Museo del Prado 1819-2019. Un lugar en la Memoria

El próximo año se celebra el 200 aniversario de la inauguración del Museo del Prado y se hace con una exposición especial que podrá visitarse hasta el próximo 10 de marzo de 2019 en las salas A y B. La exposición titulada "Museo del Prado 1819-2019. Un lugar en la Memoria" es un repaso a la historia del museo e inevitablemente también a la historia de España. Se divide en 8 secciones, cada una con una imagen principal y otras que la toman como referente y os la resumimos en la siguiente infografía.
Infografía sobre la exposición Museo del Prado 1819-2019. Un lugar en la memoria
Infografía: Museo del Prado 1819-2019

sábado, 10 de noviembre de 2018

Las grandes gamberradas de la historia del arte


Estamos acostumbrados a tomarnos el arte y sus manifestaciones como una cosa muy seria, algo para entendidos, pero muchas veces los artistas también se ríen de sí mismos, del pensamiento elitista  y a veces también de nosotros. Veamos algunos ejemplos:

1.- Los robos de Picasso


Está claro que Picasso era un genio transgresor y a veces muy radical. En el año 1911, fue junto con Apollinaire detenido para investigar si tenía algo que ver con el robo de la Gioconda. No fue casual su detención, solo 4 años antes su amigo Joseph Géry Pieret había robado unas estatuillas de origen ibérico, aprovechando las pocas medidas de seguridad que por entonces tenía el Louvre.
Picasso, que sabía perfectamente su origen,  compró las estatuillas y le fueron muy útiles pues le ayudaron a componer las Señoritas de Avignon, pero al enterarse del robo de la Gioconda quisieron deshacerse de ellas. Apollinaire intentó venderlas y la policía los pilló.

2.- El famoso urinario de Duchamp

En 1917, Marcel Duchamp puso a los miembros de la “Sociedad de artistas independientes de Nueva York” en un brete, al presentar bajo el seudónimo R. Mutt la obra “Fountain”. En realidad se trataba simple y llanamente de un mingitorio. Imaginaros a los sesudos señores dirimiendo ante un urinario temas como ¿qué es el arte y qué es la vanguardia? Al final rechazaron la obra, pero todos sabemos que ha pasado a formar parte de la historia del arte

3.- Los interruptores del MOMA

Harvey Stromberg ha pasado a la historia por ser un bromista nato. En los años 70 realizó lo que llamó "esculturas fotográficas”. Se trataba de una serie de más de 300 fotografías adhesivas realizadas a tamaño real. Representaban interruptores de luz, manijas de puertas que dispuso de manera ordenada por el MOMA de Nueva York. Algún responsable se volvería loco a la hora de encender la luz de las salas.

4.- ¿Conocéis al artista Nat Tate?

¿No?, normal no existe. Pero en 1988, David Bowie y John Richardson se rieron de lo lindo de muchos críticos en la presentación del libro “Nat Tate: un artista americano, 1928-1960”. A pesar de que ellos mismos se lo habían inventado muchos críticos afirmaron que habían oído hablar de él…

5.- Y por fin llegamos a Bansky

El pasado 5 de octubre, casi todos fuimos testigos, por las imágenes de los telediarios, de como su obra “Girl with  baloon” fue vendida en una subasta de Sothesby´s por la nada desdeñable cifra de 1,4 millones de dólares. Para acto seguido ver como se autodestruía con una trituradora que el artista había programado en el marco. Al asombro de los allí presentes sucedió un aumento considerable del valor de la obra.
Y es que las gamberradas de los artistas al parecer pueden mejorar el concepto que tenemos sobre su arte.




sábado, 3 de noviembre de 2018

Arthur Berzinhs "el gamberro refinado"



La tecnología ha transformado nuestra vida y la forma en la que nos comunicamos. Os pongo un ejemplo que nos llevará a descubrir a un nuevo artista. Hace poco mi cuñada me mandó una tanda de chistes vía Whatsapp entre los que iba esta imagen.
¿Os ha pasado lo mismo que a mí, habéis tenido que mirar dos veces? Pues una amiga con clara vocación artística fue aún más lejos, “esto es parte de un cuadro” dijo y ahí comenzó la investigación que me llevó a conocer a un polémico y famoso artista moderno.

Arthur Berzinhs

Arthur Berzinhs nació en 20 de abril de 1983 en Riga, Letonia. Una enfermedad congénita del corazón hizo a los médicos pensar que no viviría más allá de los 12 años, pero una operación y muchas ganas de vivir les llevaron la contraria y su enfermedad le ayudó a encontrar una forma alternativa de expresión. En el año 2012, obtuvo la maestría del Departamento de Comunicación Visual de la Academia de Artes de Letonia.
A lo largo de más de 10 años, ha participado en más de 50 exposiciones.  Berzinhs es un artista multidisciplinar que trabaja la pintura al óleo, la fotografía digital, el cine y la música y ha sido calificado como un “gamberro refinado”. Su aspecto gótico, de palidez extrema enmarcada por una melena negra y grandes ojos oscuros se ajusta a la perfección a su imaginería. Y es que busca despertar emociones encontradas en el espectador que lo coloquen en una posición incómoda.
Lo hace a través de imágenes oníricas, con tintes eróticos y voluptuosos, intensificadas con metáforas decorativas. Él mismo lo explica así “trabajo con elementos conceptuales/estéticos disonantes que intentan lanzar las emociones ambivalentes del espectador…Las películas, la música, la literatura son formatos que permiten acompañar al espectador desde el principio al final. Una imagen no puede llevar al destinatario a ninguna parte, es inmóvil. Por eso trato de encontrar otras formas de manipular al espectador con el aspecto emocional de estos códigos ambivalentes. Siesta es un brillante ejemplo de este enfoque: la estética clásica de la belleza melancólicamente romántica va de la mano de un poco de humor, co-creando una percepción diferente”.
Y es que sus cuadros inevitablemente nos recuerdan a la imaginería del simbolismo, del postmodernismo, con sombras románticas y góticas y toques de art nouveau. Influenciado por la luz de los viejos maestros, sus cuadros exploran las relaciones entre hombres y mujeres, pero también otros muchos temas que nos golpean de forma visceral y a la vez despiertan nuestra espiritualidad.
Cada cuadro le lleva como mínimo dos semanas de intenso trabajo sin apenas dormir, las imágenes digitales semana y media. Entiende que ha logrado superar el conflicto que a principios del s. XIX enfrentó a la pintura con la fotografía, creando un arte más completo.

Polémicas performances

Sus performances son desgarradoras y también radicales. El 6 de marzo de 2018 fue acusado de promover el canibalismo tras la transmisión en Facebook live de la pieza “Escatología” en la que una mujer vestida con un traje blanco de aislamiento cortaba con un bisturí una pequeña porción de la carne de la espalda de una mujer y de un hombre y luego la cocinaba en una sartén para dársela a comer.
Berzinhs asegura que no es más caníbal eso que comerse las uñas, que se trataba de realizar un gesto artístico y conceptual,  una metáfora de la sociedad de consumo que se consume a sí misma matando su espíritu, sin el cual no puede vivir mucho tiempo.
Berzinhs cita a Kafka cuando le preguntan por el artista provocador diciendo que “el arte debe ser el hacha del mar helado dentro de nosotros” sin embargo, no está a favor de la provocación simple, si no de la refinada y significativa.
Varios grupos de Rock duro han apostado por sus ideas para sus portadas, como sus admirados Cradle of Fihh.
Arthur Berzinhs es un artista extraño pero una vez que hemos visto sus imágenes quedamos de algún modo golpeados y no podemos volver a olvidarlo.

Fuentes:

http://www.berzinsh.lv/
http://www.berzinsh.lv/en/press